“夕照七彩——廖连贵水墨艺术作品展”研讨会

时间:2011-07-23发布者:湖北美术馆浏览次数:3039次

夕照七彩——廖连贵水墨艺术作品展学术研讨会现场

 

 

学术研讨会纪要

纪要整理:彭薇    统 稿:马文婷  仇海波

 

    间:2011722
    点:湖北美术馆艺术交流中心
    题:“夕照七彩——廖连贵水墨艺术作品展”
学术主持:沈伟(湖北美术学院美术学系教授、美术理论家)

 

与会专家(以发言先后为序)

鲁慕迅    湖北省水墨画院院长、美术理论家 

      著名艺术家

邵劲之    著名美术评论家

陈立言    原湖北省美术院院长

乐建文    湖北美术家协会理事、中国美术家协会会员

贺飞白    湖北省美术家协会副主席,湖北省文联委员

杨奠安    湖北省社会科学院教授

辛克靖    著名画家

彭述林    湖北省美术院一级美术师

      著名画家

张岚石    武汉书画院副院长

张三夕    华中师范大学文学院教授、博士生导师

徐晓庚    武汉理工大学艺术与设计学院教授

刘一原    湖北美术学院中国画系教授

廖连贵    湖北省美术院专业画家、湖北水墨画院常委

傅中望    湖北美术馆馆长

 

沈 伟:今天非常荣幸做为廖连贵老师作品展的学术主持。廖老师是新中国成立以后湖北非常重要的水墨人物画家,过去我们在不同主题的展览上看到他单幅的作品,对廖老师基本上属于散点式的认识,今天作品集中展出之后,确实让我们有了一个重新的认知和思考。廖老师在新中国主旋律创作的文艺思想和观念的指导下,执着进行长期持久的人物画创作,形成了非常强烈的特色。这种特色不仅与新中国整体的人物画发展紧密相连,而且也体现了个人的特点。在今天的展览里面,也有许多花卉的题材,这是廖老师另外一个延伸——把一种主旋律创作在自己的创作后期向更多的方面拓展,让艺术语言有更多的发挥,比如荷花系列。廖老师在这样一个年龄创作这一系列众多的作品呈现于今天的展厅确实非常令人感动。
   
在座的有许多是廖老师多年工作中的朋友和以前的画友,也有受过廖老师影响的一些画家,还包括中青年的艺术家。对廖老师的创作大家肯定有各种各样不同的体会。鲁慕迅老师以前在湖北美协长期从事组织和理论工作,对湖北美术的整体情况非常了解,也熟知廖老师个人的创作,首先请鲁老师发言!
    
鲁慕迅:我曾经给连贵写过一篇文章,但是今天看完画展以后觉得自己的文章写得太肤浅了。上次为他写文章的时候我没有看到这些作品,感到很遗憾,今天看过展览之后我还要很好的学习和消化。他的画是属于中西融合型的。他过去是画西画的,有很扎实的基本功,人物刻画非常细腻,对人物内心的情感和个性的刻画非常到位和深入。你可以从他的画中看到人物的内心感情和个性,没有真实的生活积累,空有功底也是不行的,这两方面都是不可缺少的。他画的荷花也有着自己的特点,把西画的某些东西融合进去了,并且融合得很自然。我就简单地谈这些。
   

沈 伟:谢谢鲁老师,非常期待鲁老师看了廖老师的作品展以后有新的文章出现。下面有请魏扬老师谈一谈。

魏 扬:首先向廖连贵老师表示祝贺,这次展览非常成功,我看了展览之后对他的很多作品有了新的感受和认识。他已经80岁了,这次展览体现出他这一辈子的努力所取得的成就,这是非常值得庆贺的。当然他今后还会有更大的成就,对于他的画我有很大信心。
   
廖连贵在湖北美术院也有特殊的地位,可以说是我们美术院的第二块文化品牌,第一块品牌是汤文选,大家都知道。廖连贵创作出优秀作品的时间比较早,而且到现在还在坚持进行创作。这次展览我们看到他以前好的作品并没有被历史所淘汰,还有价值,现在依然能给我们带来美的感受,作为一个画家,这非常难得。他当年在美术院的第二块品牌价值还应该继续发挥作用。现在有很多有成就的画家,但是要树立成全国知名的品牌还是不容易,不仅需要个人的努力,也需要组织上各方面的支持,他的这些作品还要继续作为我们的文化品牌,发挥其中的作用。大繁荣还是要在此基础上发扬,进一步形成更多的品牌来表现湖北美术大省、美术强省的新作用。在历史上,我们有很多做的不够,但是廖老师个人从来没有抱怨,就算他所取得的成绩没有得到充分的肯定或者宣传,还是默默无闻继续坚持。这些都是非常好的品质。他对自己经验的总结恐怕还不够,今后还要进行总结思考。美术院也还是要继续总结他身上的很多宝贵经验。如他深入生活,坚持不懈,用现实主义的方法刻画人物形象。
   
最近我听说浙江省采取了一种很好的措施,把全省的画家分成七组深入本省在这个时期发展得最快的、最好的七个项目,回来之后做了一个成果展览,产生了很多新形象、新的时期具有代表性的作品。我们省做得还不够,需要加紧赶上。我们省在中国画人物画方面有很多的经验和一批有影响力的作品,因此我们应该继续在廖连贵那一代人的基础上进一步发展,塑造新的人物,就像当年廖老师塑造瑶老庚这个少数民族的形象一样。
   
展览的名字叫做“夕照七彩”,我对这个名称有点意见。“夕照七彩”是冯今松先生为他写的一篇文章的标题。这个标题在文章中写得很精彩,而且对廖老师的评价也是非常好的。这次展览用“夕照七彩”不能体现整个展览的成果,因为有很多成功作品是在早期完成的。荷花系列确实是在夕照下完成,而且完成得非常有水平,但是它不能概括整个展览的艺术价值,这是不足的地方。但“夕照七彩”还是可以体现现在多元化的一面。我觉得廖连贵还可以活到更长的时间,因此不要太满足于“夕照”,应该把创作思想和情感的立足点提得更高。我们处在这个时代不容易,我也八十几岁了,虽然我是他的老师,但我们还是同代人。这个时代确实需要我们这些老画家能够完成更高水平的作品来回答这样一个社会、回答这样一个时代。
   
因此我建议他通过这次展览,今后对自己的创作要有更高的要求,不要仅仅停留在“夕照”下。我的画画不好,但是我觉得心态应该尽量按照“盛世”的需要来要求自己。这是对连贵的要求,也让我们共勉!谢谢!
    
沈 伟:魏老师对廖老师非常熟悉,所以谈得很深入,对廖老师目前的创作也提出了一些新的建议和期待。廖老师未来的创作道路还很长,不应该说是夕照,应该说是成熟期、结果期。下面请湖北省美术院的邵劲之老师谈一谈。

邵劲之:我对廖老师比较熟悉,在美术院我经常到他的画室学习参观,一起谈论艺术上的问题。通过这些谈话也知道了他的艺术思想、作品产生和构思的整个过程。就《瑶老庚》来说,当时在创作这幅作品的时候争议很多,有人说这个题材是为了钱,不应该画,也有人说按照他的水平根本刻画不好瑶老庚的形象。但是在这种情况下他还是继续坚持,一方面向书本学习,另一方面也向其他的画家学习,这是他非常可贵地方,自己认准的道路就坚持下去。对于艺术来说,本身就是要立足信念,要有自信。纵观廖连贵的人物画作品,《瑶老庚》是比较突出的,丰富了我们国家的人物画。他的作品大部分是描写人物,而且是描写少数民族的人物形象。我统计了一下,他的作品里面对于少数民族的人物形象塑造了两三百个,最有代表性的就是瑶老庚,包括古代的名人李时珍等等。在塑造人物上,他有自己的想法,能抓住人们不太注意的生活细节,他很多作品里都是通过人物的细节进行人物刻画的。比如《江边打捞》、《新伞》、《跳月》等等都是抓住了一些生活的细节来表现,不仅丰富了人物画,而且也在审美观念上起了很好的作用。不一定大题材就能够吸引人,这些小题材只要是能反映生活的,同样能够吸引人。
    
沈 伟:谢谢邵老师,邵老师过去是湖北省美术院创作研究室主任,从事理论研究工作,在20世纪7080年代的美术理论上做了很多综合性的研究和介绍,他对廖老师的作品分析非常透彻。下面请原湖北美术院的陈立言院长谈一谈!
     
陈立言:廖老师和我们在一起搞创作几十年,我是非常佩服他的。他不像我们是学国画出身,他是画油画、水彩出身,后来才全力攻国画。他走的国画道路值得大家学习:在创作中学习国画技巧,这是完全不同的一条路。
   
他学习画国画是很虚心的。当时很多画国画的老前辈都在一起,他都非常虚心地对待。还有更重要的一点就是面向生活。他的素材都是从生活中来。他大量的时间都泡在西南少数民族,比如傣族、景颇、藏族等等,他与那些人都成为了很好的朋友,比如瑶老庚就是他在瑶族里面的朋友,他就是用这种亲切的感情来画。他很重视写生,也按照写生的要求去追求生活。我有一段时间跟他一起到傣族,一去就是三个多月。从景颇一直走到瑞丽,横跨云南的八个县,连续十天汽车都在灰尘里,下车的时候只剩下牙齿和眼睛,身上全是灰,就是这样一种状况。廖老师深入这些少数民族,对他们非常熟悉。他虽然是在一个科班的单位,却并非按照科班的办法学习国画,这点值得我们很多同志学习,对我们有很大的启发。

今天的展览把他这一生的好作品都拿出来了,看过这个回顾展之后我想起了很多往事。廖老师的画都是和老百姓的生活息息相关,不是官僚文艺,而是一种百姓文艺。比如《我们的医生喊得应》这幅作品,就是表现了当时的赤脚医生。《瑶老庚》,从表现技法到表现的深度都是很值得学习的。廖老师的作品是值得现在正在搞创作的人学习总结的。现在搞创作的人一个普遍现象就是深入生活不够,去地方做两天客就跑回来了,再者有些人经常把照片一拍,在电脑里一做,这样怎么能够有很深刻的形象呢?怎么会有艺术形象呢?那只是照片形象。我觉得这是很大的问题,会用电脑,却不深入生活。有人说当代是一个没有大师的时代,就我们湖北来讲,像廖连贵这一代是被忽视的一代。当然这也有一个好处,就是今天很多被忽视的同志的作品厚积薄发了。过去我们过分地依靠组织,若是组织不宣传自己就没有条件宣传。自己在宣传方面不努力,却总是埋怨组织没有宣传,每每别处的画展出来了以后就说我们自己的宣传不够。不宣传是不行的,廖老师在八十岁终于做了这一次展览。
   
廖老师现在的身体一直很好,并且已经改画花鸟画了。他很少用院里的医疗费,而是一直自己锻炼身体,深入少数民族。他的病有很大一部分是他自己治好的,西南地区的土医生给了他一些药,他的一些朋友给他治,最后病治好了,这是一个奇迹。廖老师办这次展览是我们国画界一个很好的收成,很多东西都值得我们总结和学习,特别是对于推动当前湖北省中国画的发展、中国画的教学有很大的帮助。我认为当前中国画的教学存在很大问题,而廖老师在这方面为我们提供了很好的榜样。
    
沈 伟:谢谢陈立言老师,他谈得非常的细致。进入20世纪80年代之后中国的艺术总体上面临一个转换期,新的社会变化中确实有这样一个现象存在,他们是被忽视的一代,好在现如今博物馆事业蓬勃发展,更多老字辈的老师可以不断的举办类似的回顾展,也感谢美术馆所做的推动工作。廖老师在那个时代所做的现实主义创作手法,深入生活的方式值得我们学习。我们今天的创作方法对接中存在一些空缺、断档,现在我们为了图方便用了很多现代的条件,却忽视了很多感动人、细腻深入的做法,这点值得我们反思。谈到教学,请从前湖北省美术学院国画系主任乐建文老师谈一谈!
    
乐建文:廖老师和我是三十三年的老朋友了,我们这一代人有一些观念是共同的,作品基本上受到了延安文艺座谈会的影响。生活是作品的源泉,从廖老师的作品来看,不管是花鸟还是人物都遵循这一条路,这条路到今天才是真正的百花齐放。虽然现在不否定其他的各种形式、各种流派,包括有人撒几个墨点,签名盖章就被奉为大作品,当然这也是允许的,它确实是作品。但是我们这一代人遵循的还是一条光明大道,因为我有一个观点:一张作品50年、100年之后才能知道这个人是不是大画家,哪怕你现在被整幅面地介绍。我在国外去过多次,伦勃朗的《夜巡》十七年前我去看过,十七年后我又专门去看,隔了三四百年还值得看,这就是好东西。包括达芬奇的《蒙娜丽莎》,到现在也有很多人天天看,那就是好作品。哪怕达利在其上加了两撇胡子还是不行,容易被大家忘记。廖老师的画里面有几张作品我们一直过目不忘,一个《我们的医生喊得应》,现在农村又提倡赤脚医生,他的画面题材显得有生命力。而他所画出的生活趣味,是其他的手法都无法替代的。另一幅作品《清江放排》,给我们的印象很深。这使我回忆起黎雄才老师的成名作《森林》,这幅作品是1954年创作的,虽然现在已经不准乱砍森林了,但这作品反应了当时的时代精神,给你一种难忘的印象。廖老师有些作品差不多40年了,比如《我们的医生喊得应》。这些作品并非随便玩弄的东西,估计它们在50年、100年以后还有生命力,这就是站得住脚的艺术作品。
   
廖老师虽然是自学成国画家,但是他的功夫下得很深,这也是一条路。现在有些人在反传统,但他走的是在传统的基础上创新这一条路。我非常佩服廖老师的精神,身患晚期肺癌他不怕,战胜了病魔,不断地出好作品,比如荷花系列。他的荷花表现手法很新,把西洋画的色彩和中国的笔墨结合得很好,很有独创性。从这次展览也可以看出他作品题材选得很好。
  
湖北美术馆在梳理整个省美术作品的工作上做得很好,对这些年龄大的画家和一些有代表性的画家、代表性的作品都进行了系统的梳理,在全国算是突出的。   

   贺飞白:我今天看了廖老师的展览非常受感动,廖老师的专业身份是一位卓有成就的、20世纪中期以来湖北乃至全国具有代表性的人物画家之一。当然,晚年开始的国宝系列——熊猫,尤其是荷塘花鸟系列更是对人生彻悟之后以笔墨直抒情怀,进入随心所欲自由境界的追求,更是生命的迹象和高尚人格的象征。
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世纪中国画与以往相比,在人物画盲从的发展变化最大,成就也很突出。新中国成立以后,在全国对文学艺术影响最深、最广泛的仍然是1942年毛泽东的“延座讲话”所提出的文艺为工农兵服务的方向,要求艺术家必须无条件地长期到工农兵中去,到火热的斗争中观察体验生活,创作出比实际生活更高、更强烈、更集中、更典型、因此更带有普遍性的作品。这些具有政策性、方针性的意见,身处当时的文学艺术工作者和艺术家毫不含糊地一直执行和努力实践,廖老师正是其中一位,在实践中成为卓有成就的艺术家。我们只要翻开廖老师1956年从华中师范大学毕业留下的履历表,就可以发现他几乎全是留在农村或少数民族体验生活,我读他的人物画作品,无论是精心巨制还是率性而为的人物小品无不满溢着生活的气息和泥土的芳香。他原本是学西画的,也画过年画、连环画,20世纪70年代开始专攻中国画。廖老师在湖北乃至在全国产生很大影响力的一些作品按年代的顺序是以下这些作品:
    1974
年《量不完的新田》,当时参加了省展。廖老师是20世纪70年代开始,持续数年跑遍了鄂西八个县,上述作品便是他在鄂西体验生活创作中有代表性的作品之一。
    1979
年《我们的医生喊得应》,是在长阳深入生活的结晶,当时参加了全国美展,并赴日本参展。
    1979
年《勇进》,这幅作品是作者亲自到清江与木排工一起放木排,跟他们泡了很长的时间产生的作品。
    1984
年《瑶老庚》,第六届全国美展优秀作品。是对憨厚的瑶老庚、心灵相通的真情实感的表达。
   
以上作品给我留下了深刻的印象,更由于这些作品中体现出作者对艺术的虔诚之心、对艺术创作的严谨态度和作风,从而使我对廖老师的艺术人格产生由衷地敬仰。
   
廖老师属于新中国比较早一批经过高校严格训练的人物画家之一,其人物写实的能力和造型基础是很扎实的。20世纪60年代初,美院中国画专业开设国画人物画素描课,借鉴素描技法,体现结构,以线造型,加强节奏感,充实画面,对丰富人物画、笔墨的表现力、强化造型能力与手段起了很重要的作用。《瑶老庚》这些作品除了作者的艺术才情和学问功底以外,对人物心灵和情绪的把握、深入刻画与塑造的能力得到了充分的体现。人物的刻画深入而不腻味,造型塑造坚实而不刻板,生动、自然。因此感人至深。
   
廖老师尊重并吸取中国优秀人物画的写意传统和笔墨精神,在他众多的人物画作品中体现了一个突出的特点:他笔下的人物形态并不靠刻意的变形与夸张来取悦观众。其人物形象朴实、可信、生动、传神,并尽可能地以洒脱的笔墨格调追求和营造人物与环境的写意性和画面的传奇效果。
   
总之,廖老师同二十世纪中期走过来的一批优秀人物画家一样,他的一批重要作品与国家、民族变革发展交织,并被历史赋予浓郁的色彩,追求对时代特色深度与高度的把握,是这一代画家的优势与强项。正因为如此,廖老师的一批优秀的人物画作品具有不可替代的人文价值和艺术价值。祝廖老师长寿,艺术常青!
     
沈 伟:非常感谢贺老师,贺老师今天特地做了充分的准备,准备了详尽的文稿。他对廖老师这一系列作品做了点评和解读,同时对这些作品形成的整体线索和发展脉络做了梳理。这个年代所形成的创作手法对我们今天有持续性的影响,尽管现在什么艺术都可能存在,是真正的百花齐放,但是20世纪中期以后现实主义人物画创作的价值,我们也要重新认识。下面有请杨奠安老师!
    
杨奠安:今天我非常地高兴,是发自内心的。廖老师在我的印象中是非常值得尊敬的画家。古画论中认为,评论一个画家,一是看人品、二是看画品。我以为,廖连贵先生人品、画品俱佳。
   
首先,他是一位普通画家、一个没有乌纱帽、没有资本家做后台的画家,他有一种安静的心灵,很平和,潜心艺术、潜心学问,这在当今的社会氛围下尤为难得和珍贵。你说这样一个画家能不画出好的作品吗?我觉得廖连贵先生是一个非常值得尊敬的画家,我尊敬他的画品和人品。
   
第二,他长久地接近生活,亲近人民,不分贵贱。这样一种亲近民众的艺术态度、创作精神,才能慢慢画出瑶老庚这样生动的形象。如果不亲近人民、不亲近大众,你虽然是个画家,摆个官架子下去、高人一等,能够和别人交流吗?你能够挖掘出一个普通老百姓、普通山民内心深处的感情色彩吗?只能是隔靴搔痒、做做样子而已。这就是他能够画出瑶老庚这样形象的根本原因。
   
第三、廖连贵先生贵在对艺术的饱满热情,那种自信、不卑不亢、埋头苦干的精神。这样一种精神使他能够在艺术上有一种不断追求的动力。他热爱艺术,不是为艺术去发财,是为艺术表现一些什么,通过画画来表现自己的心境,说出自己内心要说的话。这就是他最宝贵的地方,这样一位艺术家才能做出好的作品。这就是我尊敬廖连贵先生的理由。谢谢大家!
      
     
辛克靖:今天看了连贵的画展很受启发、很受感动。我和他是同班同学,亲密相处半个多世纪。在我1985年到鄂西支援文化建设的二十几年中,他多次到恩施少数民族去深入生活,他的《勇进》正是深入恩施的清江,采访放排工人而创作。并不是靠照片、靠道听途说所创造出来。我觉得他最可贵的就是始终扎根于生活和民族文化的沃土。他所创作的那些反应少数民族的优秀作品正是在这样一个指导思想下,在他始终不渝的绘画理念的支持下所创造出来的。
   
他并非科班出身,原先学习的是西画,他正是通过扎实的西画造型能力,领会中国画的笔墨、意境,把人物、山水、花卉的技法相融一体,体现出画家热爱和关注现实生活的情怀。廖连贵同志不断地探索精神,使他不断取得人物画方面的成就,战胜了肺癌的折磨,并从人物画方向转入画花鸟画,又用他独特的笔墨手法、笔墨技法体现现实生活。
   
最后,我预祝连贵同志健康长寿,创作出更多更好的新作品。
    
彭述林:廖连贵和我们都是同班的同学。从画种来说,我们的路子走得不同,但是我对廖连贵同志有比较深入的了解。
   
一是刚才大家提出的深入生活,他总是与农村和农民打交道,深入生活,和群众打成一片,这一点非常值得我们学习。他经常深入恩施、长阳、广西这些地方。最初他画连环画的时候,第一个是到安阳,即河北最北边的一个县,后来他又去了很多地方,给我们作出了一个比较好的典范,因为我们都很想把那里面的生活提炼出来升华为艺术。
   
二是他非常刻苦。哪怕是在他得了癌症的时候,也没有悲观,没有放弃。有次我到他的画室,看到了整面墙的荷花,这也正是他身上的可贵之处,对生活的希望、对艺术的追求从来没有停止。他从生活和艺术中获得了更多的营养和希望。他对生活、对艺术的执著追求是非常值得我们学习的。
   
还有一点,他善于提炼主题。比如他画的《瑶老庚》、《我们的医生喊得应》,其实我们当时也都在农村经历过,但并没能把这些提炼成我们的主题反应在画面上。我当年跟唐小禾一起去了长阳一带,也在那里住了一个多月,了解了那些人的心情,但是我就没有将这些提炼成自己的主题。他在生活中把最本质的东西提炼成自己的艺术是非常可贵的,这一点值得我们学习。
    
  立:辛克靖、彭述林、老廖同志和我三个人都是一个班的,其实当时我们什么专业都学了一点,但是他后来开始画年画,走自己的路。他能够提炼出来一些东西,不仅有生活,而且有创作。他很早就开始研究创造与生活的关系,有很多人去少数民族跑了一圈回来什么都没有,过去是画一些画,现在就背着照相机。他们这样只能画一些表面现象,形成不了主题,没有提炼。大家都谈到他的很多画有深度,他画中的人物有感情、有性格,不是飘浮的,而是一种扎扎实实的体验。我们过去都经常下乡,下去之后不能做表面的功课,一定要深入地了解,要用心。所以他画画既用手,更大的程度在用心。
   
他在艺术上的一种追求也可以说是甘于寂寞,守在画室里,他头脑中想的都是这些,而不是现在比较复杂和表面的东西。很多同志都提到他的病,他最可贵的就是他生病之后,依然善于把这些问题都处理好。在这种环境下他能够静下心来是非常难得的。潮流比较多,但是真正下来做文章的,甘于寂寞的人很少。
   
我体会到要想真正有好东西出来,还是要甘于寂寞,远离浮躁的现实。现在也有些新的东西,但是不管怎么做都必须要下功夫,不下功夫是不会成功的。我接到请柬之后,看到名字是“夕照”,从年龄上看我们都是80来岁的人了,但是从他的艺术创作上讲未见得是“夕照”。他现在是生命不息,耕耘不止,应该还算壮年期,我预祝他艺术上取得更大的成就,谢谢!
    
张岚石:看了廖老师的画笔我有几点感受:
   
第一、我觉得艺术来源于自然、高于自然。这一点廖老师做到了,他的笔墨很洒脱、很自然,没有一点做作,每个点线都充满生命的气息、生命的跳动感。他画的柴火,也是生气勃勃。就如同年轻人有年轻人的特点,年老有年老的特点,所以线条表现有时候是圆的、有时候是扁的,非常丰富,这是生活中自然形成的。他的线条就是感情的流露,他画的柴火能让我们感觉到具有勃勃生机,这也是他自信精神的体现。
    
第二、写意的笔墨都需要意境和情感。我们画画不能用技法来指挥你的笔,而要用情感来指挥。这一点廖老师做得很好。有时候刻意使用某些技法就会显得不自然,其实情景怎么来就应该怎么画,你对这个物体怎么理解就怎么画,它是来源于自然的。自然界的花花草草,生命律动是自由自在的,艺术是来源于自然,而且还要高于自然,更加典型化。廖老师对我的启发很大,就是要用情感来创作。不要为技法而技法,应该是情感的自由发挥,就好像照相的时候每一个镜头都要是自然的,摆一下造型就显得很假了。
  
他的画朝气蓬勃,今后的创作可能还会上升,我祝贺他身体健康,再出新的作品,谢谢!   

   沈 伟:廖老师的研讨会我们也专门请了几位理论家,下面请长期关注现当代艺术的张三夕老师谈一谈!
   
张三夕:我是第一次参加以老艺术家为主体的艺术研讨会,我们长期跟中青年的艺术家接触多一点。今天听到湖北省美术院老先生的发言,我有很深的感受。
   
第一、老艺术家态度非常认真,一半以上都有书面的稿子准备,不像有些艺术界的混混,随便胡说一通。老先生们的这一点值得我们学习。
   
第二、老艺术家对艺术的观察、对画家的分类值得我们进一步琢磨。比如根据高像素相机拍出来的照片画画和深入生活实践根据自己的写生画画是不同的画家;有资本家做后台的画家是一类、没有资本家做后台的又是一类;还有甘于寂寞的和不甘于寂寞的画家这种分类。廖先生归于没有资本家做后台的一类,属于甘于寂寞的画家,比如湖北的曾梵志就是属于有资本家和画廊赞助的画家。我觉得老先生的话给了我们很多的启发,将来的画家可以进行新的分类。
   
第三、所有的当代中国水墨画艺术家都必须面对三组关系,不管你怎么处理,都在这三组关系之中:一是传统与现代;二是中国画与西画;三是写实与写意。你只要画中国画,就必须去处理这三组关系。
    1
、传统与现代。不同年龄的画家处理的角度可能不一样,有的偏重于形式,有的偏重于内容。最近武汉美术馆有一个武汉理工大学教授罗莹的展览,她是把中国古代经典的名画比如《韩熙载夜宴图》,通过形式上的改造、细仿来取得现代感。比如对人物形象的轮廓加一些宽线条——她认为宽线条使画具有现代感。廖老师的画在处理传统与现代的关系当中更多地是在题材、内容、表达的思想方面下大功夫。比如他画中的人物都是南方或者西南地区少数民族的这些人物,这些人物画所呈现的一些特定历史背景的生活场景是非常有意义的。比如《我们的医生喊得应》,从标题到画面都非常亲切。
   
在某种意义上说题材决定了艺术的水准。比如早年的陈丹青如果不是画西藏那些人物,改画一组汉族人物可能就没有这么大的影响。我们可以从另外一个角度来谈:艺术史和画家如何用他的艺术作品来参与历史记忆?赤脚医生这样一个社会角色,在我们这一代人还有印象,但对今天的年轻人来说就非常陌生了。这一类题材将来的价值很高,至少它非常真实地记录了这样一个时代,而这个时代正在被我们淡忘。艺术家在这方面是有所作为的。
    2
、中国画和西画的关系。廖老师原来是画油画的,后来转入中国画。因此他在中西画关系上有所探究,尤其在荷花系列上花了不少功夫。中国画如何吸收西画的东西?并不是将两者简单地对接起来,在这点上廖老师有很好的探索。
    3
、写实与写意。人物画中有一些画家更偏重于写意,比如说范曾先生的人物画更多的偏重于写意。廖老师的画更多地偏重于写实,因为他有学院派训练的基础,而这种写实可能带给中国人物画更多的艺术语言、艺术技巧。而这一点是中国画家很缺少的,我们没有油画上很扎实的训练。廖老师由于他自己的创作给我们提出了非常值得认真总结的经验。
   
刚才魏老师说“夕照七彩”这个主题不太好,我认为可以改为“夕照晨曦”,看起来好像是矛盾的,实际上是一个老画家还焕发出他的艺术青春。
   
最后我想提一点建议,湖北地区的画家怎样推向全国、推向世界?湖北美术馆做了很多很好的工作,还有徐晓庚博士也做了大量的工作,但是我们做的工作还要做得更细致。将来我们要做画展和画册,还是要有像老先生一样的认真精神。
    
沈 伟:谢谢张教授!不同的艺术创作有各自的起源,张三夕先生有自己看待艺术的立场。正如很多成熟期的老师们所谈到的,年轻时对艺术的一种疑惑和反叛是这个年龄段都会出现的。不同年龄段有不同的思想,刚才杨奠安老师的讲话我也深有体会,人往往到这个年龄才更能体会到一些比较深层的东西。比如人到了一定的理解力时反而会想起很多老话讲得好,而年轻人总是要怀疑老话对不对。刚才张教授也提到了关于罗莹的创作,我个人认为他是处于不同的教育路径、不同的创作背景和不同文化氛围之中,像廖老师这个年龄段的画家如果处在改革的关键期或许又是另外一种路径,但是我们现在无法判断哪一种路径更加有效,只能说某一种路径符合了社会的需要和发展。
   
罗莹这样的作品就是对过去的一种认知,对传统绘画加以挪用和改造,这更多的是一种观念。而廖老师这样的艺术家更多的是关注画本身,这就是刚才几位老先生提到的:五十年以后、一百年以后哪些画留得住?彭述林老师讲到,若干个同学一起下乡深入生活,但是回来以后有哪些人能够提炼出东西来,谁的眼里能够做出作品来才是最重要的。《我们的医生喊得应》这幅作品我们将来也会很熟悉,过去我们讲赤脚医生,现在我们讲的是社区医生。我们的城市在发展,但社区医生很多功能与当初的赤脚医生是一样的,依然存在“我们的医生喊得应”,这些也会存在下去,甚至随着社会的发展,将来还会有私人医生等等。
   
回到我们的话题,张教授刚才提到了艺术史的作用。我们前一辈的画家更多关注到作品本身能不能站得住的问题,而现在更多是一种观念艺术。换句话说,艺术史的写作方法也在发生变化,在这样一个写实主义的创作道路上,我们所考虑的是哪些作品能够留得下来。就像过去了这么多年,我们还能够想得起来《我们的医生喊得应》和《瑶老庚》这样的作品,但对于当代的艺术作品,我们也许更多地是记录哪些人的哪些想法能够在艺术史上留得住,这是艺术史上发生的变化。这种对比很有意思,但是从更广的角度来看,过几十年再回头来看,到底哪些东西留得住,或许更有意思一些。下面请徐晓庚教授谈一谈!
    
徐晓庚:2003年就认识廖老师了。这么多年来,我一直在思考怎么宣传这样一个非常优秀的、被社会不太重视的画家。上次陈立言老师在北京做展览以后,我想什么时候找个机会把廖老师的作品带到北京去,应该会产生比较好的反响,至少让别人知道湖北还有这样优秀的画家。
   
我对廖老师绘画作品的总体感受是:他是一个热爱生活、热爱艺术的老画家。早期的作品中反映的是党的文艺政策。对党的文艺政策下的文艺作品怎么去评判涉及到美术史的问题。以前对文革时期的美术作品都是否定的态度,今天看了廖老师的作品我改变了这种认识。他的作品涉及到美术史,除了有时代的烙印,更多是自己的东西,所以他的作品不管10年、20年或者更久远仍旧立得住。
   
廖老师的荷花系列,把人物画的精神内涵,对生活和生命的理解融入进去了。廖老师现在这个年龄仍然出去采风,有时候为了画荷花,在下着暴雨的情况下,和他的孩子打着雨伞在植物园里面拍摄荷叶不断被暴雨洗礼的场景。他在作品中把对生活对生命的热爱都表现了出来,廖老师除了是一个热爱生活的画家,更是一个热爱生命的艺术家。
   
我想随着大家对廖老师作品的深入理解,能通过一些方式把他的作品在全国做深入的推广,让更多的人有机会了解和欣赏到廖老师作品的生命力和艺术价值。他是我们湖北省非常优秀的画家,也是全国立得住的老画家。我们希望明年到北京共同努力把廖老师的作品推向全国。祝贺廖老师的艺术创作生命永远年轻!

    刘一原:今天看了廖老师的展览我非常感动,同时也很惊异,这个展览就是送给我们大家的一个艺术盛宴。廖老师80岁拿出这么多分量都很重的作品,做这么大规模的展览确实很令人感动。令人惊异的是他拿出的很多早期作品,我们平常都没有见过,它们是从柜子里面翻出来的,我们看到之后感到非常亲切。我认为作品的价值和意义在于其不可替代性。我们现在看廖老师的作品感到非常亲切,他把我们带到了那个时代。这些作品是那个时代的产物,也反映了那个时代,今天的任何作品都没有取代性,这也证明了他作品的历史价值和历史意义。
   
另外,廖老师确实是一个非常严谨认真的艺术家。那么多作品几乎没有一幅是相同或者相似的,每幅作品都有深度,这对我们今天的艺术家是个提醒。今天很多艺术作品的市场化运作、大规模生产,使得大部分作品大同小异,甚至完全一样。老艺术家虔诚的态度和敬业精神值得我们今天搞艺术的学习。
   
廖老师的作品分为少数民族人物画和花鸟荷叶两部分。一个艺术家想要把作品艺术性提高如果没有对生活的观察是不行的。我在展览中看到廖老师在少数民族绘画中的长期积累,也看了他在后期荷花题材方面的专注而取得的成果,这是难以达到的高度。在他荷花作品中,我看到了很多新的技法,里面有很多墨痕和色痕都是用一种写意的方式表现出来的,虽然其根源是吸取了西画的东西,比如说墨痕、色痕都是一种肌理的形式,但是它们都熔化在写意精神之中,这一点处理得很好。廖老师的精神非常好,他画的荷花没有八十岁人那种衰老的感觉,而是充满朝气,显得很华贵。当今国画中画水墨画的人很多,他的荷花中也用了新的技巧,比如他大量使用了石青、石绿与水墨融合,也就是大家通常所说的重彩部分,再加上他的色痕、墨痕掺杂在一起,用一种写意的方式表现出来,这也是一种新的探索。
   
总的来说,廖老师的展览确实体现了他艺术成就、艺术造诣的高度,也体现了他在艺术创作中所追寻的人生价值。画家是通过作品体现人生价值,他们对艺术探索、创造的全部岁月都融合在画中,看了荷花作品我认为廖老师还有很大的潜力和后劲画出新的作品。祝廖老师长寿健康!
   
沈 伟:今天的研讨会不仅仅是关于廖老师的个人创作的系统梳理和回顾。廖老师早期是以人物画为主,二十世纪九十年代后专功花卉,进入到人生一种新的体悟阶段。廖老师深入生活,使作品面貌脱离概念化的创作,在荷花系列里依然延续了人物画的方法,这是到今天仍然值得我们深思的。
   
不管艺术史如何写,作为艺术家要提供给社会的应该是美好的东西、健康的东西,不仅对他人有益,对自己也有益。感谢各位专家和老师的发言,下面请廖连贵老师做一个总结性的发言!

    廖连贵:非常感谢大家的到来,我画了几十年画,作品也难得与大家一同交流。今天有机会让我对自己所走过的路有一个更深的认识。我不会讲很多的道理,但是我很感谢大家。我的身体状况目前还可以,我也相信自己在今后的日子里还会出一些作品,到时候大家一起共同研究。谢谢!
   
沈 伟:谢谢廖老师的发言!下面把话筒交还给傅中望馆长!
   
傅中望:湖北美术馆经过几年的努力到现在,我们的基本思想就是要形成对湖北美术史的研究,梳理湖北美术发展的脉络。无论是整体展览还是个人展览我们都有一个系列的想法。在举办各个画种回顾展的基础上,我们在思考对湖北老艺术家进行一系列的个案研究,这些个案研究能让我们掌握更多、更有价值的艺术文献资料和图像资料。开馆以来我们已经做过周韶华先生、陈立言先生的展览,现在做了廖连贵老师的展览。在座的各位老师都为湖北美术事业,为湖北的美术创作做了巨大的努力,在艺术上一辈子兢兢业业,不断地追求。看到这些老师我也感到很亲切,因为我在美术院工作了20多年,都是在这些老师的指导下,受到他们的影响,从事了几十年的创作。
   
换一个角度来说,一个美术馆,它是一个国家的公共事业,湖北美术馆如何整体把握湖北美术发展的历史,真正发挥美术馆展览、收藏、教育、推广的作用?我们感到任务很重、担子也很重。我们每次做一个展览都有很大的收获,都对艺术家有了更深刻的了解。廖老师在生活中言语不多,但在艺术上是扎扎实实、兢兢业业的,有几十年的创作经历。这一代人在过去那个年代没有其他的选择,也就是在革命现实主义和浪漫主义这条唯一的路线上走了很多年,他们有深厚的生活基础,他们的艺术就是从生活中来。廖老师没有选择宏观的、大的历史人物,他所选择的都是普通的老百姓,都是生活中自己深有了解的平民百姓,所以他的画面具有如此多的生活气息,具有让人感动、耐人寻味的生活细节。他是一个善于发现生活中的美,并加以总结提炼的艺术家。
   
在艺术上他选择了写实和写意。他是从西画转换过来的,有一个对物象的把握,他画的人物是真实的,是有生活气息的。我觉得这个展览也是我们今年以来做得最好的一次展览,也为我们美术馆今后的研究做了很好的基础性工作。
   
美术馆其实是依赖于艺术家的存在,有艺术家就有美术馆,美术馆就是一个公共的平台,艺术家之家。我们还要继续努力,为湖北的美术教育、美术创作,美术研究和传播做很多工作。美术馆还有巨大的包容性,我们不但要做传统意义上和传统门类上的各种艺术的展览,我们也要面向这个时代。在我看来一代人做一代人的事情,今天艺术家的生活背景、教育背景、艺术观念和方式都发生了很大的变化,作为美术馆该如何面对?我所说的包容就是我们要将传统的、现代的,以及我们认为有实验精神的艺术创造都包容在美术馆中。老百姓们对艺术的需求是多种多样的。观众的精神需求是多样的,所以我们的任务还很重。我们必须从基础做起,把湖北的美术历史做一个全面的梳理,这样湖北美术馆才有话语权,才可以整体把握,知道自己该如何发展、如何推动湖北美术。文化大省、文化强省不是一个口号,而是要靠一点一滴、一件件事情去推动。借此机会感谢各位艺术家一直以来对湖北美术馆的支持,同时在今天廖老师的展览开幕之际,我衷心祝廖老师的展览圆满成功,也希望廖老师有更多更好的作品产生,祝贺廖老师,也谢谢各位!




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